La última cena en el arte

La última cena se refiere a la que realizó Jesús con sus apóstoles, con motivo de la Pascua Judía; es decir, la celebración del pueblo hebreo que se liberó del yugo de los egipcios. Y “La última cena”, en el arte, es la representación de ese hecho, justo antes de la traición de Judas Iscariote. No se trata de una despedida sino de la institución de la Comunión cristiana, litúrgica y mística interpretada por los artistas plásticos, eventualmente llevada también al cine y al teatro, es decir, a las artes escénicas, sin olvidar, por supuesto, la música y las muchas versiones que ofrece la Literatura, empezando por los Evangelios y diversas obras emanadas de ellos, sobre todo escritas por los frailes que llegaron a catequizar el continente americano.

Es un acto dramático, porque es la última reunión entre los protagonistas y el momento en el que Jesús anuncia que será traicionado. Y es un hecho simbólico porque se instaura el Sacramento de la Eucaristía.

En el Concilio de Trento  (1546 – 1563), evento realizado con motivo de la separación de Lutero para formar una nueva Iglesia, en cuyo documento fundamental para la Católica, se establece el triunfo que debía notarse en el arte; es decir, el arte fastuoso de la Contrarreforma, en el que se analizó la reacción del movimiento protestante frente a la interpretación plástica de la Eucaristía, en el cielo y en la tierra.

Podemos considerar que se trata de un arte pedagógico, parteaguas entre el Antiguo y el Nuevo Testamento. Se conocen varias versiones sosegadas y otras más drásticas, entre las que destaca la de Leonardo da Vinci ( Il Cenacolo 1494 1498).

Imaginar una mesa con doce comensales y Jesús, realizada por los artistas  que todavía pintaban sin el conocimiento de la perspectiva, fue complicado en la Edad Media, por lo que existen mesas de formas variadas: Redondas, cuadradas, media luna, con forma de cáliz y finalmente rectangular. En cada caso la disposición de los comensales y las características de los espacios y las atmósferas son diferentes. Dependiendo de lo que dicen los Evangelios es lo que sucede en la escena, por ejemplo:  La mano de Lucas sobre la mesa o los dedos en el plato de Mateo. La falta de aureola en Lucas, o las bolsas de las monedas, los rasgos de personalidad de los apóstoles, etc. Todo esto con una buena dosis de imaginación del artista que interpreta según su pensamiento, preparación, cultura y de muy importante manera, su emoción.

Si Juan se apoyaba en el pecho de Jesús  es porque era costumbre frecuente comer recostados en aquella época y en la región oriental, donde se desarrollaron las culturas siria, árabe, judía. El cáliz en su representación de unión y de convite divino en el que se comparten el dolor y la gloria, aparece en distintas formas, como un simple vaso o con forma de copa, da igual, aunque la escena pictórica se acerque más al concepto de la enseñanza que brinda que a un intento de réplica de la realidad.

La observación de estas obras nos lleva a encontrar los elementos del lenguaje visual, directo hacia una verdadera historia gráfica de los hechos que se narran desde la óptica del artista, que como en aquel momento, era determinada por los lineamientos de la Iglesia en combinación con el talento de los artistas.

Sin embargo, hay una especie de espíritu en las obras, que no sabemos a qué obedecen: Intención de enfatizar algún mensaje, personaje, jerarquía, habilidad técnica y otras cosas como lo que el artista quiere mostrar de sí mismo, el estilo en boga, el regionalismo, etc.

Por eso, cuando leemos un cuadro debemos revisar también otros ejemplos similares que nos permitan la comparación y enriquecernos con las diferencias.

En el caso que nos ocupa, vale la pena llamar la atención hacia obras que han sido concebidas en sentido vertical, con obligaciones que reclama la perspectiva para dar un lugar a cada personaje, cambiando claramente la ubicación de Jesús en la mesa, quien debe ocupar la cabecera rigurosamente y parecer más alto que los otros, gracias a las perspectivas más dramáticas y exageradas obligadas por el formato. Ejemplos hay muchos y basta con echar un vistazo a la Historia del Arte para encontrar maestros como: Vicenzo Carducci, Francisco Ribalta o Jacopo Robusti el Tintoretto, entre tantos, que prefirieron este formato.

El lugar para observar es también importante. No es igual acercarnos a un cuadro colgado a la altura correcta ubicado en un museo, que otro a la altura de los retablos en los templos, ni la gran obra de Da Vinci, la más reconocida, que fue pintada en un gran muro del Refectorio de la Iglesia de Santa María de las Gracias, mausoleo y capilla familiar de Ludovico Sforza , en el centro de la capital lombarda: Milán, Italia.

Este arte, casi siempre realizado por encomienda de la Iglesia y confiado a los más grandes maestros, es la causa fundamental de que tengamos tantas y tantas obras para admirarlas en templos pequeños y grandes santuarios o en sus espacios más íntimos, cuando son visitables, así como en diversos museos de todo el mundo, en las regias colecciones y en las familiares de toda la cristiandad.

La insistencia para asistir a disfrutar el arte en vivo, se debe a que nada se parece a vivir la emoción de las obras de verdad. Es como degustar un platillo favorito a diferencia de sólo leer su receta. Se llama experiencia estética y no nos la podemos perder con tanta riqueza a nuestro alcance.

En México, los templos, sus anexos, conventos y especialmente los Museos Regionales del INAH, así como los museos estatales y municipales o privados, brindan una gran oportunidad para el deleite y estudio del arte sacro realizado entre los siglos XVI y XIX, entre todas sus riquezas en exhibición.

Margarita Magdaleno Rojas.

Santiago de Querétaro, marzo de 2016.


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