Las estructuras de Miguel Peraza

Hablar de estructuras y esculturas, por separado, es imposible. No hay escultura que subsista sin una estructura y tampoco hay espacio que no se modifique, si dentro de su ámbito, aparece una escultura.

Y es que todo se transforma con la presencia de ese juego de volúmenes acomodados en función del criterio y gusto del artista, que obligan al observador a transformar la percepción y el uso de los espacios.

La escultura es cultura pura.

Tiene raíz, origen, ideología, ciencia, equilibrio y armonía, por lo menos; entorno a ella se realizan rituales, se perciben emociones y se convierten en presencias gigantes que nos acompañan o en espacios íntimos que nos acogen; caminan a nuestra vera mientras pensamos y llenan de ideas los recintos, bosques, ciudades o mares – lo mismo da – donde su hacedor como un mago, decide que se posen para expandir su esencia, que cada transeúnte absorbe y atesora.

Miguel Peraza es un artista en plena madurez personal y laboral, perteneciente a una estirpe de escultores mexicanos, entre los que destaca su padre, el Maestro Andrés Peraza, autor de infinidad de escenas campestres mexicanas y de especial manera, creador del Hombre Cósmico que queda como legado para el pueblo de México y como herencia ética en la esencia de Miguel y sus hermanos.

Con alrededor de cuarenta años de experiencia, en los que ha tenido la oportunidad de probar y demostrar una transformación profunda en las muchas obras realizadas, que lo han llevado desde un proceso de aprendizaje acerca del cuerpo humano hasta su postura frente a los temas de la vida, Miguel vive entre el conocimiento, la geometría, el compromiso social del arte, el mercado en el que se mueven las obras que son producto de la sensibilidad en coordinación con la técnica. Muy pronto comienza su exploración acerca de los Navegantes celestiales o terrestres, que van del interior del ser hasta el mismísimo sol que nos alumbra.

Perenne buscador de objetos raros, diferentes, especiales, únicos, empieza a realizar ensamblajes motivado, tal vez, y desde muy joven, por los primeros trabajos de esplendor del Arte Conceptual y esa fascinación por descontextualizar la razón primera y obvia de los objetos que se convierten en motivos para cavilaciones, mucho más profundas que la simplicidad de los objetos útiles y cotidianos.

El uso de la pintura automotriz, tuercas, tornillos, herramientas, tensores y soldadura, se convirtieron en sus utensilios y materias primas imprescindibles que lo llevaron a buscar los escenarios de la gente menuda, las Universidades, para exponer su trabajo como lo sigue haciendo hasta hoy, siempre atento a los deseos y puntos de interés de los más jóvenes. Es por eso que ahora se le conoce como el escultor de las Universidades, en este doble sentido de construir esculturas para las instituciones educativas superiores y coadyuvar en la tarea de crear universos en las mentes de los educandos a través de la influencia que el arte logra en sus vidas.

Irónico juega con las palabras y fanático de las máquinas, se refiere a ellas como existentes, necesarias e inútiles al mismo tiempo, se divierte y a veces pareciera sufrir cuando hay que equilibrar, atar y asegurar sus objetos sin otro sentido que hacernos pensar en su presencia, el valor de lo inútil, el aparente desperdicio lleno de abstracción. Una de las características que distinguen a Miguel, es la ambivalencia de sus trabajos, creados por él o transformados en sus manos, que desde la inutilidad práctica de los objetos, desvinculados de su origen, como clavos y amarres, terminan formando parte de un objeto, otro completado, lleno de realidades sueltas que en conjunto, se presentan como partes del mundo, con ideas, emociones emblemáticas que lo diferencian.

Miguel Peraza reta al observador a superar la dificultad de leerlo a cambio del placer de mirar. Su obra se toca ; mezcla arte y ciencia y nos entrega una obra con acceso al mercado de consumidores selectos que lo ponen en vigor práctico; niños que montan y juegan o coleccionistas que no se cansan de mirar porque el factor común de sus trabajos es la compatibilidad con los espacios.

El binomio obra plástica –obra arquitectónica de su propuesta “Hombre Rojo”, busca en los vacíos – espacios por habitar según el proyecto del edificio – los volúmenes que representan ese vacío que no palpamos, pero que lo sabemos y lo “vemos”, con inteligencia e intuición más que con los ojos, hasta convertirlo en tangible sólido – extraña manera de experimentar el vacío como un negativo fotográfico – que termina haciendo una abstracción geométrica del gran hombre que impasible medita frente a quien vibra con su roja presencia, haciendo de la convivencia del recinto y su escultura, una conjunción perfecta. Esta pieza en particular, lucha contra la embestida de la figuración literal de la Postmodernidad que recoge los pedazos de una historia difícil de procesar, según el viento que la toca, el ojo que la mira, así como la nueva emoción que cobija.

En “Hermano de Rojo”, no es que Miguel repita la enseñanza del hermano mayor tan celebrado, sino que el mismo espacio en una composición -¿O deberíamos decir descomposición?- distinta, hace su quehacer arquitectónico de dar versatilidad a los espacios que se construyen con un derrotero pero son viables para una gran variedad de maneras de vivir en ellos. Aquí, la diferencia radica en que el espacio por sí mismo fue hecho para la vida, dentro de una gran escuela, y el resultado de organizar esos mismos espacios de diferente manera, por ahora, dieron a luz al Hermano de Rojo, pero igualmente podrían dejar su utilidad actual para desempeñarse de manera distinta.

Aquí la magia del escultor radica en leer un espacio, es decir, un vacío y convertirlo en un objeto material, antes intuido y ahora acariciable.

La selección de 24 piezas y sus materiales están relacionados con la posibilidad de expresión que cada una ofrece. Así, encontramos que las que están agrupadas en función de algunas características que las determinan: Bronce, latón, fierro, cristal, piedra, sean éstos combinados entre sí o con otros como la madera o las resinas, nos ofrecen una variedad apta para todos gustos.

Los colores vibran con la intensidad que requiere su participación en la obra y la intención de la misma, como sucede con la “Carretilla con niños”, en su función no solamente lúdica sino educativa y de contacto ingenuo pero certero, con el arte. Este concepto para transmitir cultura en edad temprana requiere de una verdadera voluntad de los adultos responsables, que han dejado de ver la obra de arte como un lujo para convertirla en un utensilio de primera necesidad y algo más que un adorno, para transmitir a los niños el gusto por el equilibrio y la armonía.

Los móviles, pendientes de los techos, tanto en los edificios de gran altura como las techumbres de edificaciones domésticas, son esculturas movibles, muy lúdicas, de gran categoría que nos recuerdan los colores primarios de la Bauhaus y las redondeadas formas de Calder. Especial atención merece una pieza monocromática en blanco mate que literalmente, enarbola metales que juegan el papel de lienzos armónicos llenos de movimiento, llamada Música Matemática.

El reloj Solar, es una pieza de singulares valores. En la muestra se presenta un modelo de gran formato que se distingue por la ligereza visual y dinámica llena de estética. Evoca el rasgo de una firma rápida que declara con precisión la fuerza de un solo trazo que se ha convertido en un volumen queriendo volar.

Buscar más verdades en la geometría, parece ser una inquietud latente en el trabajo del escultor quien crea en su mente las dimensiones que hay que alcanzar y que nacen al mundo en pequeños modelos en los que el artista vuelca sus amores con formatos de pequeña escala, para tocarlos, moverlos, manipularlos y cotejar a cada paso si lo que sus manos hacen y sus ojos ven el nacimiento de la obra de arte. Ciertamente él trabaja metido en su estudio pero sus aspiraciones grandes habitan en él. “Visitando a Cubo” es un ejemplo de la complejidad de sus pensamientos, la armonía geométrica, la composición, sobre todo, de intersecciones entre planos y esféricos volúmenes, que no pueden menos que dejarnos complacidos en su presencia.

Sin duda, la obra de mayor originalidad que ha producido Miguel Peraza, aunque fuera de esta muestra, es una pieza de valores estético y geométrico y mucha frescura en la realización de las ecuaciones del Cubo Pitagórico “Al interior del espejo” , consistentes en el desarrollo del punto que al desplazarse –En este caso, un par de líneas que atraviesan la plaza de recepción del edificio de Parque Tecnológico del ITESM Campus Querétaro- llegan a un muro y al subir sobre éste, se convierten en una superficie y ecuación de segundo grado, luego se desplazan por el techo para desprenderse a manera de volúmenes pendientes, con los colores básicos de Bauhaus: Rojo, amarillo, blanco y azul. Por su tamaño, ubicación, origen y según el público que la observa, se trata de una gran obra.

Miguel Peraza tiene muchas etapas en su trabajo, pasiones que a veces lo conmueven y resultados que varían desde el material, los formatos, objetivos y las formas. Sin embargo la selección acuciosa de esta muestra nos permite estar dentro de los estándares de exigencia que permite la matemática y su correspondiente volumetría; sin olvidar todos los componentes que se cubren como la selección de los materiales, los colores, el desarrollo de las escalas de medición y de muy especial manera, la generación de emociones que puede provocarnos la caricia de una pieza en armonía, frente a la grandeza universal, de donde proviene su majestad: La geometría.

Sin embargo, encasillar a Miguel Peraza en una técnica o en una temática y esperar se enfoque en objetivos ramplones, es imposible dado que él es un eterno buscador. Lo que si podemos esperar es perseverancia llena de curiosidad y fuerza como estructura básica de su creación escultórica.

Margarita Magdaleno Rojas

Junio de 2016


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